Ein Polizei-Rammbock versetzt drei kräftige Schläge, die die Haustür zertrümmern. Rufe erfüllen die Luft.
Schwer bewaffnete Beamte stürmen das Haus. Eine Frau fällt zu Boden, während die Kamera nach links schwenkt und eine schwach beleuchtete Treppe hinauf fährt. Ein Mann, mit dem Rücken an die Wand, die Hände erhoben, ruft vergeblich.
Innerhalb weniger Minuten wird ein 13-jähriger Junge verhaftet. Draußen, im Morgenlicht, hallen die Schreie der Familie wider, während die Kamera sich auf den Jungen konzentriert, der nun als Häftling im dunklen Inneren eines Polizeiwagens sitzt.
Dies geschieht in drei Minuten, in einer einzigen, kontinuierlichen Einstellung. Es ist eine frühe Szene aus Netflix‘ Hit-Serie Adolescence, die in ihrem ersten Monat über 120 Millionen weltweite Aufrufe erzielte.
Eine solche Sequenz wäre vor fünf Jahren unmöglich gewesen, behauptet Kameramann Matthew Lewis in einem jüngsten Interview. Jede der vier einstündigen Episoden von Adolescence verwendet einen Single-Take-Ansatz, bekannt als „Oners“, wobei die Kamera die Charaktere dynamisch durch intensive Szenen verfolgt und nahtlos zwischen Handkamera und fahrzeugmontierter Filmaufnahme wechselt.
Leichte, selbststabilisierende Kameras, die sich an schwankende Lichtverhältnisse anpassen lassen, haben die Film- und Fernsehproduktion revolutioniert.
In der zweiten Folge von Adolescence wechselt die Kamera sanft vom Innenraum eines Autos zu einem Straßenübergang, schwingt dann über die Umgebung, bevor sie wieder auf Bodenniveau zurückkehrt.
Der Wechsel von Drohne zu menschlichem Bediener ist kaum wahrnehmbar – ein subtiles Wackeln – für den durchschnittlichen Zuschauer praktisch nahtlos.
Dieses Kunststück ist teilweise der DJI Ronin 4D zu verdanken, einer kompakten, hochauflösenden Kamera, die mehrere Sensoren zur Erkennung von Bewegungen relativ zum Boden und zu umgebenden Objekten integriert.
Interne Mechanismen gleichen diese Bewegung aus und liefern flüssige, stabile Aufnahmen.
Die Ergebnisse sind „phänomenal“, so der erfahrene Filmemacher und Professor der Boston University, Tim Palmer.
Professor Palmer, zunächst skeptisch, bestätigte den Single-Take-Ansatz nach dem Ansehen der Serie: „Sobald ich sie sah, wusste ich, nein, das wurde absolut in einem Take gemacht.“
Er weist auf bedeutende jüngste Fortschritte in der Kameratechnologie hin.
Im Jahr 2014, während der Arbeit an Critical, einem Krankenhausdrama, das längere Einstellungen in geschäftigen Korridoren erforderte, stieß Professor Palmer auf Einschränkungen: „Es waren nur kleine Joystick-Videospiel-Controller, um die Kamera schwenken und neigen zu lassen, und das war einfach nicht präzise genug“, erinnert er sich.
Fernsehproduzenten haben schon lange versucht, die Energie von Krankenhausumgebungen einzufangen. Eine Folge der BBC-Serie Cardiac Arrest aus den 1990er Jahren beginnt in einer geschäftigen Triage-Einheit. Obwohl sie in den ersten 10 Minuten scheinbar nur einen Schnitt verwendet, sind die Kamerabewegungen deutlich roboterhaft und es fehlt die Dynamik von Adolescence.
Professor Palmer weist auf die Entwicklung von Kameragimbalen und Fernsteuerungsfunktionen sowie die Integration von ferngesteuerten Filtern und einfach umschaltbarer Stabilisierungstechnologie in modernen Kameras hin. „Das ist ein völliger Game-Changer“, behauptet er.
Erweiterte Single-Takes sind im Kino nicht neu, mit Beispielen aus mehreren Jahrzehnten.
Der Film Victoria aus dem Jahr 2015, ein spannender zweistündiger und zwanzigminütiger Spielfilm, wird als Single-Take bezeichnet. Obwohl einige Zweifel geäußert haben, erklärt Kameramann Sturla Brandth Grøvlen entschieden: „Es gibt keine Schnitte oder Übergänge.“
Brandth Grøvlen, der durch die Technologie seiner Zeit eingeschränkt war, integrierte absichtlich leichte Wackler, um den Stil von Kriegsberichterstattung zu evozieren.
„Es fühlt sich sehr im Moment an, aber man weiß auch nie, was passieren wird“, sagt Brandth Grøvlen, „Man wird auf eine Reise mitgenommen.“
Er verwendete eine Canon C300, ideal für Dokumentationen, um das zusätzliche Gewicht zu minimieren und die Kamerabewegungen zu proben, um Muskelgedächtnis zu erreichen.
„Wenn sie plötzlich anfangen zu rennen, muss ich meinen Griff an der Kamera vom seitlichen Griff auf den oberen Griff wechseln – auf diese Weise wackelt sie etwas weniger“, erklärt er.
Die Ronin 4D ist die „erste dedizierte Filmkamera“ von DJI, so Brett Halladay, Product Education Manager. Er hebt die fortschrittliche Stabilisierung und die drahtlose Übertragung von Filmmaterial an Monitore am Set hervor, die automatisch optimale Signalfrequenzen auswählen.
Es gibt jedoch Einschränkungen. Vertikales Filmen, das mit Apps wie TikTok immer beliebter wird, wird nicht direkt unterstützt. Obwohl Landschaftsaufnahmen mit anschließendem Zuschneiden möglich sind, ist dies nicht optimal.
Andere Optionen sind die leichten Cinema EOS Modelle von Canon.
Canon Manager Barry Griffin stellt deren Beliebtheit bei Filmemachern fest, die mehr Freiheit suchen, und bei solchen, die sie in Podcast-Studios für hochwertige Livestreams verwenden.
Der Aufstieg ergonomischer Kameras wirkt sich deutlich auf die Qualität von Film und Fernsehen aus, sagt Booker T Mattison, Drehbuchautor, Regisseur und Professor für Film an der University of Georgia. „Der Blickwinkel wird oft durch die Kamera selbst dargestellt“, sagt er. „Es ermöglicht absolut, zu 100 %, bessere, dynamischere Geschichten zu erzählen.“
Carey Duffy, Direktor für Produkterfahrungen bei Cooke Optics (dessen Objektive in Adolescence verwendet wurden), warnt jedoch vor dem Potenzial, dass One-Take-Filmemachen zu einem Gimmick wird, das die narrative Qualität überschattet. Der kürzere Abstand zwischen Objektiv und Sensor in neueren Kameras im Vergleich zu älteren Modellen ermöglichte die leichten Cooke-Objektive.
Professor Palmer schlussfolgert, dass Single-Take-Kinematografie allein nicht die Zuschauerbindung garantiert: „Persönlich wird es mich nicht dazu bringen, etwas ansehen zu wollen, nur weil es in einem Take gedreht wurde – ich möchte diese Dinge sehen, weil sie gut sind.“
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